Els «Tenements» (edificis d’apartaments de lloguer) constitueixen una de les imatges característiques de Nova York, particularment a districtes com Brooklyn o el Bronx. Aquesta tipologia, amb les escales d’incendis o les escalinates d’accés, va ser recurrent a les històries de Will Eisner.
Amb més de seixanta anys, Will Eisner, el creador de The Spirit, el detectiu emmascarat, va tornar amb força al món del còmic. Però ho va fer amb una visió ben diferent, allunyada de l’entreteniment i pensada per a un públic adult, a qui va voler transmetre les seves reflexions sobre la condició humana.
Al maig de 1888, Van Gogh va llogar quatre habitacions en una casa a la Place Lamartine, a Arles (sud de França). Les persianes verdes d’aquesta pintura de la plaça mostren on vivia. Poc després de mudar-se a la «Casa Groga», va enviar a en Theo una descripció i un esbós de la seva pintura: «…és impressionant, aquestes cases grogues sota la llum del sol i després la frescor incomparable del blau.»
L’obra, que el mateix Van Gogh va anomenar ‘El carrer’, registra l’entorn immediat de l’artista: sovint menjava al restaurant de l’esquerra, i la casa del seu amic, el carter Joseph Roulin, es trobava just més enllà del segon pont ferroviari.
En Vincent finalment havia trobat un lloc a la Casa Groga on no només podia pintar, sinó també fer que els seus amics vinguessin a quedar-se. El seu pla era convertir l’edifici groc de la cantonada en una casa d’artistes, on pintors afins poguessin viure i treballar junts.
Charlotte Keates construeix espais liminals arquitectònics sexys, amb textura de fusta, que col·lapsen intel·ligentment el natural i el artificial, i lineal amb el no lineal. Tot i que l’espai interior segueix buit de presència humana física, els objectes que hi ha simbolitzen una olor de turisme global, donats els nostres estils de vida contemporanis d’economia compartida cada vegada més grans i els nostres desitjos insaciables d’experiències de viatge úniques.
Françoise Gilot, coneguda per la seva versatilitat i profunditat artística; en aquesta sèrie de monotips explora un enfocament més introspectiu, representant mons ocults i paisatges interiors a través d’una tècnica que combina la espontaneïtat del gravat amb la seva sensibilitat artística única.
La sèrie reflecteix l’habilitat de Gilot per integrar colors vibrants i línies expressives, creant imatges que suggereixen mapes imaginaris, formes orgàniques i patrons que evoquen allò natural i misteriós.
Françoise Gilot utilitza aquestes obres per reflexionar sobre la idea dels “mons invisibles” que habiten en cada persona, establint un paral·lel entre l’exploració geogràfica i la introspecció emocional.
Els monotips són una tècnica d’estampació única que permet a l’artista crear obres originals i plenes d’expressivitat.
Les composicions abstractes de Davis contenen moltes referències a les seves experiències i observacions. Va dir: «Algunes de les coses que m’han fet voler pintar, fora d’altres pintures, són: fusta americana i ferro del passat; Guerra Civil i arquitectura de gratacels; els colors brillants de les gasolineres, els fronts de les cadenes i els taxis; la música de Bach; química sintètica; la poesia de Rimbaud; viatges ràpids en tren, automòbil i avió que van aportar noves i múltiples perspectives; rètols elèctrics; el paisatge i els vaixells de Gloucester, Mass.; estris de cuina de cinc cèntims i deu cèntims; pel·lícules i ràdio’ el piano calent d’Earl Hines i la música de jazz negre en general». (Graphic Masters II: Aspectes destacats del Smithsonian American Art Museum, 2009)
Aquesta vibrant i rara obra sobre paper és una de les catorze obres de Francis Bacon dels primers quinze anys de la seva carrera artística que han arribat fins als nostres dies.
Potser és l’interior d’un estudi en un àtic des d’on hom pot veure la ciutat. probablement Nova York…, ja que en el contrallum de la balconera, les ombres insinuen carrers i avingudes i també edificis: com el «Flatiron» o la Catedral de St. Patrick.
La Place des Quatre-Dauphins és una plaça d’Aix-en-Provence, situada al cor del barri Mazzarino. La font al centre de la plaça, obra de l’escultor Jean-Claude Rambot el 1667, representa quatre «dofins arquitectònics» que envolten una piràmide que originalment estava coronada per una estàtua de Sant Miquel. L’estàtua va ser substituïda successivament per una flor de lis, una creu de Malta, després un con de pi (de wikipèdia).
Laurence Stephen Lowry fou un visionari que va registrar la vida interior de les ciutats britàniques del segle XX amb més força que qualsevol altre artista.És famós per pintar escenes de la vida als districtes industrials del nord-oest d’Anglaterra a mitjans del segle XX. El seu ús de figures estilitzades, que no projectaven ombres, i la manca d’efectes meteorològics en molts dels seus paisatges van fer que els crítics el titllaren d’ingenu[2] «pintor de diumenge».
Va desenvolupar un estil de pintura distintiu i és conegut sobretot pels seus paisatges urbans poblats de figures humanes, sovint anomenats «homes de llumins». Va pintar paisatges despoblats misteriosos, retrats inquietants i les obres inèdites de «marionetes», que només es van trobar després de la seva mort.
Alicja Kwade investiga i qüestiona les nocions universalment acceptades d’espai, temps, ciència i filosofia trencant els marcs de percepció a la seva obra. La pràctica polifacètica de Kwade abasta escultura, instal·lació, vídeo i fotografia. Les obres de l’artista sovint utilitzen les propietats alquímiques dels seus materials escollits per revelar la naturalesa dels sistemes utilitzats per entendre el món.
Alexander Calder va canviar el curs de l’art modern amb les seves escultures cinètiques tridimensionals, que Marcel Duchamp va anomenar «mòbils». Ressonant amb els principis del futurisme, el constructivisme i la pintura primerenca no objectiva, els mòbils de Calder consisteixen en formes abstractes de colors atrevits, fetes amb materials industrials i que pengen en equilibri líric. Calder va ser un fenomen internacional durant la seva vida. Va guanyar el gran premi d’escultura a la Biennal de Venècia de 1952, on va representar els Estats Units. Va guanyar la Legió d’Honor francesa i la Medalla Presidencial de la Llibertat dels Estats Units, entre altres honors. Calder ha estat objecte d’exposicions individuals al Museu d’Art Modern, al Rijksmuseum, al Museu d’Art Modern de Louisiana i al Museu Reina Sofia. La seva obra es ven regularment per vuit xifres al mercat secundari. Tot i que Calder és més conegut pels seus mòbils, la seva pràctica diversa també va incloure l’escultura de peu, la pintura, el disseny d’escenografia i vestuari, la instal·lació pública a gran escala i la fabricació de joies.
Els diligents dibuixos geomètrics de Deb Sokolow consideren les dinàmiques socials i de poder que impregnen l’arquitectura de les llars, les institucions i les empreses. Les seves obres són quasi plànols, traçant els plànols de la majoria d’espais ficticis, executats amb un detall tan exigent que és difícil de dir que estiguin dibuixats a mà. Algunes obres s’inspiren en espais reals amb què Sokolow s’ha trobat, incloses oficines, museus i una casa històrica on una vegada va veure un fantasma.
Vegeu l’obra de Deb Sokolow a Future Fair.
La pintura de la setmana és la primera vinyeta, a dalt i a la dreta de la pàgina del Blog on periòdicament insereixo imatges d’obres d’art que trobo per la web, les quals, d’alguna manera, fan referència al tema del Blog és a dir, el carrer i la ciutat.
La periodicitat la voldria setmanal (d’aquí el nom) però, de moment, faig el que puc.
Hung Hoi, Saigon, Hong Kong, 2018. Tinta i color sobre paper, 29,5 x 42 cm
Dues noves exposicions al Museu Sun travessen el tradicional i el contemporani.
HONG KONG .- Sun Museum presenta dues exposicions en diferents temes, que alhora estan oberts del 15 de juny al 11 d’agost de 2018. «Hong Kong Gold Legend: CSS» presenta la història d’una marca local d’or de or i els seus èxits des de fa dècades fa «Amazing Landscapes by Four Hong Kong Masters» és una exposició col·lectiva de 4 màsters de pintures de tinta a Hong Kong. L’exposició mostra com es combinen les tècniques convencionals amb les seves noves idees. Ambdues exposicions revelen la importància de la tradició i la innovació en l’art xinès.
«Potser per això ens aferrem a casos de representació asiàtica nord-americana al corrent principal com a indicadors de progrés. A Yang Gang (2019), un grup de simpatitzants fora de Radio City Music Hall per a Andrew Yang, el primer asiàtic nord-americà a presentar-se a la presidència com a demòcrata des que Hiram Fong va fer campanya de republicà el 1964 i de nou el 1968. Chen va reunir el grup publicant una trucada per a grups de Facebook de Yang Gang als cinc districtes. «Em va entusiasmar més Yang Gang que Andrew Andrew», va admetre Chen» (https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-susan-chens-portraits-asian-americans-reckon-history-exclusion)
Kossoff va pintar sis pintures a l’oli d’aquest tema. El present treball s’assembla molt a les composicions de Piscina infantil, tarda de tardor, 1971 (Tate, Londres), i Piscina infantil, tardor, 1972 (Arts Council Collection, Londres).
Bo Bardi va fer de Salvador da Bahia la seva casa d’adopció, convertint-se en directora de MAMB el 1960.
Les idees de Lina Bo Bardi sobre el patrimoni viu i el present històric viuen en les transformacions que va produir, tot i que alguns dels seus edificis han quedat en ruïnes.
Lina Bo Bardi tenia una comprensió del patrimoni i de la reconstrucció que va impregnar el seu treball al llarg de la seva vida. Dècades abans de la redacció de la Carta de Venècia el 1964, va estudiar rehabilitació i conservació amb Gustavo Giovannoni en el seu primer any a la universitat, un tema que va seguir després, sense veure «cap diferència entre allò històric i allò modern»
)https://en.wikipedia.org/wiki/Coit_Tower#/media/File:Coit_Mural.jpg
Artistes murals: treballadors no acreditats de l’Administració de Progress Works, inclosos Ralph Stackpole, Bernard Zakheim i professors i estudiants de la California School of Fine Arts. Victor Arnautoff amb l’ajut d’Edward Hansen i Farwell Taylor
«William Gedney (1932-1989) va créixer al nord de Nova York i després es va traslladar a Manhattan a l’edat de dinou anys per assistir a l’Institut Pratt. Va ser allà on va descobrir el seu interès per la fotografia. El 1955 es va graduar i va treballar a Condé Nast durant dos anys abans de marxar per dedicar-se a la seva pròpia feina. Gedney es va traslladar a un barri de baix lloguer a Brooklyn, treballant per compte propi i assumint feines a temps parcial. El 1961 va ser contractat per Time, Inc., on es va centrar en la disposició de fotografies per a la publicació. Durant els següents tres anys, va estalviar prou diners per viatjar a l’est de Kentucky, trobant el camí cap a una ciutat minera de carbó.…/…
…/… Pocs mesos després d’haver començat a ensenyar, va rebre la beca Fulbright i va marxar en el primer dels diversos viatges a l’Índia, que van tenir un efecte durador en ell. Va demanar que després de la seva mort, els seus llibres i càmeres fossin lliurats a una de les institucions d’aprenentatge de l’Índia. El seu germà, Richard Gedney, els va donar al Chitrabani Art College de Calcuta. Les seves fotografies i llibretes van ser lliurats per Lee Friedlander i Richard Gedney a la Rare Book, Manuscript i Special Collections Library de la Universitat de Duke.»
(de Howard Greenberg Gallery http://www.howardgreenberg.com/artists/william-gedney/featured-works?view=slider#2)
«Mahmoud Said, 1897-1964, EGIPCI. Nascut en una rica família alexandrina, Mahmoud Said va estudiar per primera vegada la jurisprudència a la Facultat de Dret francesa del Caire a la dècada de 1910. Durant els seus estudis, es va interessar per la pintura i es va unir als estudis dels pintors italians Amelia Casonato da Forno i Arturo Zanieri, abans de viatjar a França per estudiar a París, breument a l’Académie Julian. Tot i que va treballar gairebé trenta anys com a advocat i després jutge, va continuar pintant en el seu temps lliure fins que va deixar la llei a finals dels anys quaranta i es va dedicar completament a l’art. Es considera el pintor més destacat de la generació d’artistes egipcis ‘Pioneer’, reconegut pels seus retratats, nus i paisatges atrevits i ricament acolorits. Va pintar contínuament fins a la seva mort el 1964.»
(de Zaidan Gallery https://zaidanca.wordpress.com/2020/04/18/mahmoud-said-piraeus-at-dawn-01-painting-middle-east-artists-with-footnotes-20/)
«La sèrie House va ser produïda per Roy Lichtenstein a finals dels anys 90 i consta de diverses escultures a gran escala a l’aire lliure i una paret interior. La sèrie House inclou tres obres diferents: la casa I, la casa II i la casa III. Cada peça representa l’exterior d’una casa de dibuixos simplificats, alhora que produeix activament una il·lusió òptica. [1] Les cases I i III estan disponibles per a la seva mostra a la National Gallery of Art Sculpture Garden de Washington, D.C. i al High Museum of Art d’Atlanta, GA, respectivament. [2] [3] Cap registre indica la ubicació actual de la casa II…»
(de https://en.wikipedia.org/wiki/House_series_(Lichtenstein))
Dibuix original realitzat amb retolador sobre paper signat a la part inferior dreta «Mark di Suvero» en llapis de grafit. Donació de l’artista a un comissari mentre preparava la seva exposició Eindhoven (1972). Aquest dibuix «de treball» representa l’escultura que després es va instal·lar davant de la van Abbemuseum. De fet, Di Suvero va plegar el full per tenir-lo amb ell durant la construcció i la instal·lació. Ara ha estat flotat elegantment i emmarcat en un marc de fusta.
Mark di Suvero (nascut al 1933). Treballant en la tradició de David Smith i Alexander Calder , l’escultor abstracte Mark di Suvero construeix escultures a l’aire lliure monumentals i coloristes. Els seus treballs incorporen acer, fusta, lligams de ferrocarril, ferralla, peces mòbils o basculants i, més particularment, bigues I industrials. Utilitzant una magistral tècnica de soldadura per treballar en totes les seves escultures, di Suvero integra objectes trobats i materials industrials llançats en composicions expressives agosarades. La seva pràctica és vista per molts com una estreta aproximació a les preocupacions expressionistes abstractes amb el material, el gest i la forma que normalment es troben en la pintura.
Otto Piene, un fundador del grup Zero de Dusseldorf, als anys seixanta , és conegut per les seves pintures fetes amb fum i foc. Es deia «Rauchbilder» (imatges de fum), Piene va aplicar dissolvent sobre paper pigmentat i va encendre’l al foc, desenvolupant imatges en el sutge residual. Piene també va crear “figures” a l’aire lliure fetes de fum que flotava per sobre de tot allò que ell va encunyar com a «Sky Art», incloent Olympic Rainbow, un projecte creat per als maltractats Jocs Olímpics d’estiu de 1972 a Munic. Durant gairebé 20 anys, Piene va exercir com a director del Centre d’Estudis Visuals Avançats del Massachusetts Institute of Technology i, el 2008, amb Heinz Mack i Mattijs Visser, va cofundar la Fundació Internacional ZERO per arxivar documents, projectes i imatges produïdes pel famós col·lectiu de Düsseldorf.
CAMBRIDGE, MASS .- Els museus d’art Harvard van anunciar l’extraordinari regal de 70 llibres de croquis de l’artista Otto Piene de renom internacional (1928-2014); el regal el va fer la poetessa i autora Elizabeth Goldring, l’esposa de l’artista. De 1935 a 2014, els quaderns de croquis no publicats reflecteixen experiments interdisciplinaris de la llarga trajectòria de Piene a la zona de Boston i a l’estranger, inclosos projectes realitzats i no realitzats…
Joaquin Torres-Garcia va ser conegut per la seva afiliació a diversos moviments artístics modernistes que pretenien combinar precedents europeus de l’abstracció amb la imatge i la vida sud-americanes. En diversos moments, es va associar amb el neoplasticisme del Noucentisme i de Theo van Doesburg . Amb el seu col·lega uruguaià Rafael Pérez Barradas, Torres-Garcia va desenvolupar el Vibracionisme, un estil preocupat per combinar els elements formals del cubisme i el futurisme amb la imatgeria urbana. Les obres realitzades en aquest estil tenien composicions basades en quadrícules soltes, després plenes de símbols lineals; aquestes serien algunes de les seves peces més conegudes i influents. També va desenvolupar «Universalismo Constructivo» (Universalisme constructiu), que pretenia identificar una unitat estructural universal mitjançant l’abstracció. Torres-Garcia va acabar fundant Taller Torres-Garcia, una escola d’avantguarda que pretenia difuminar distincions jeràrquiques entre arts i oficis.
Considerat com un dels pintors més importants de la seva generació, Eisenman (n. 1965, Verdun, França) ha desenvolupat un potent i puntual llenguatge figuratiu que combina elements fàctics i fictitius, corrents i interculturals. La seva obra es distingeix per la seva èmfasi en l’al·legòrica i la seva bona combinació d’elements autobiogràfics amb narracions històriques i de ficció que criden l’atenció sobre conflictes sociopolítics contemporanis.
L’edifici Capitol Records, que es va crear amb una espiga blanca que tractava de la seva punta, es converteix en un pastís de capa pastel d’una estructura a Untitled (Hollywood 4) (2018–9). (Des del 9/10/2019 fins al 22/10/2019)
August Macke (3 de gener de 1887 – 26 de setembre de 1914) fou un pintor expressionista alemany. Va ser un dels principals membres del grup expressionista alemany Der Blaue Reiter (The Blue Rider). Va viure durant un temps particularment innovador per a l’art alemany: va veure el desenvolupament dels principals moviments expressionistes alemanys, així com l’arribada dels successius moviments avantguardistes que es van formar a la resta d’Europa.
